Socialità. Tra cerchie e solitudine.

In un precedente post mi sono soffermato sul carattere spiccatamente autoreferenziale di parte della critica musicale italiana: cultura = spettacolo, niente studio delle fonti contemporanee, lenti ingiallite e quanto mai orgogliose di esserlo. Ora vorrei riflettere su un punto a me più caro, spesso fonte di distratti pensieri e di solenni arrabbiature miste ad affetto sincero. I compositori nostri maestri: conosciuti frequentati o semplicemente ammirati per le loro opere.

Guai a fare di tutta l'erba un fascio e guai a proporre dei distinguo generazionali dal sapore di rottamazione, appetiti insani sono spesso presenti in quantità esponenziale nella categoria "allievi dei maestri". Mi limito a definire "nostri maestri" i compositori italiani che godono di strameritata fama artistica e stima del contesto mondiale e mi limito a cercare di capire se c'è traccia di una qualche loro responsabilità di categoria nelle dinamiche che portano l'Italia musicale a galleggiare.

Credo sia una riflessione giusta da fare, e credo che la risposta sia forzatamente scontata: è difatti certo che hanno delle responsabilità, come è bene che rivendichino un qual certo legame di paternità con il percorso dei giovani compositori con i quali hanno condiviso arte.

Faccio un passo indietro: è già stato detto più volte che una delle ragioni di questa iniziativa risiede in un rinnovato bisogno di focalizzare un concetto portandolo allo scoperto: il contesto artistico legittima l'azione dell'artista. Contesto dunque, dimensione sociale complessa composta da creatori, fruitori, interpreti, analisti, programmatori, critici e quant'altro, ognuno dei quali rappresenta – se vogliamo – un contesto più piccolo.

I rapporti di forza che legano queste parti del puzzle hanno creato negli ultimi anni una macchina di gestione della politica musicale italiana estremamente particolare, le cui scelte (sempre meno oggetto di discussione aperta) si sono tradotte in fatti. C'è chi ha partecipato a queste scelte curando per lo più il proprio interesse, c'è chi l'ha fatto pensando alla difesa del bene pubblico, c'è infine chi ha scelto di non curarsene.

Si tratta di pulsioni etiche, motivate ritrosie artistiche, anche – perché no – di scelte di coraggioso svincolo: perché in epoche non tanto remote la legittimazione politica ha persino interferito sul contenuto artistico in modo subdolo, passando da legittimazione a strumentalizzazione. Parlo qui dei compositori più maturi che il nostro paese ha espresso negli ultimi anni e mi chiedo come nel loro percorso artistico si sono rapportati con la questione della socialità della cultura musicale. 

Sembra un tema di altri tempi, sicuramente è scivoloso: socialità.

A tutti conviene rivendicare lo status di artista solitario, c'è un'aura di purezza che ancora oggi circonda chi si definisce così, nonostante il nonsense quotidiano dell'epoca dei social networks (come delle quaranta mail al giorno, dei telefoni che squillano, delle classi e masterclasses…). Spesso insomma ci si dimentica che non si è soli e che addirittura la prassi compositiva in équipe è regola per chi fa ricerca con interpreti e ancor più chiaramente in domìni prossimi alla musica elettronica. L'artista solitario si distingue (come ci dice il già citato Kubler) dall'artista con istinto gregario (del quale sfrutta la caratteristica di moltiplicatore del segnale) e in definitiva tutti sognano d’esser solitari. "Al di fuori della sua cerchia professionale, i suoi ammiratori contemporanei saranno probabilmente gente che apprezza in lui l'uomo più che la sua opera... Tutti i grandi artisti [della storia dell'arte] appartengono probabilmente a questa classe di solitari funzionali".

La cerchia, già: questo sembra essere l'unico momento di socialità concesso alla decenza dello status di artista. A essere quindi più acuti dunque, la scelta e i criteri di selezione della gente della cui stima vuoi nutrirti è atto compositivo anch'esso, ed è un atto di socialità. Amici, colleghi, interpreti; a tutti noi è capitato o capita di vivere incontri proficui o fratture nette: scelte di esclusione o inclusione in certi casi del tutto prossime alla divina spietatezza dello scrivere musica. Dentro o fuori, sapendo che la mia dimensione sociale ne sarà dedotta e che questa parlerà per me in mia vece. Meccanismo potente che s’incrocia con un'altra macchina che muove la storia dell'arte: la rivalità. Bernini e Borromini, Poussin e Rubens, Eliot e Joyce, Klee e Picasso (sempre da Kubler).

Ora ricapitoliamo, sì siamo esseri sociali, sì facciamo parte o creiamo cerchie inclusive o che escludono rivali con altre cerchie. Il contesto della politica musicale mondiale è spesso stato determinato dalle lotte tra cerchie rivali, finché qualcosa (almeno in Italia) è forse accaduto sotto i nostri occhi, l'armamento degli eserciti (cerchie) guidati da capitani non sempre coraggiosi ha fatto morire di fame la povera gente (pubblico), niente guerre e niente pane: sono rimasti solo gli eserciti e cinque superstiti civili (una è la promessa sposa di un soldato).

Nel mentre la parola "cultura" scompare dalla politica e dal tessuto sociale.

Questa fiaba militare è triste, senza finale e probabilmente è un falso storico. Degli slanci ci sono, grazie anche a qualche cerchia più illuminata e con appetiti ancora inclusivi che ci danno speranza. Rimane però una soffusa atmosfera di smarrimento della nuova generazione, che spesso rimane appesa nel vuoto e talvolta è addirittura contesa tra i maestri stessi.

Al netto di alcuni notevoli segnali di apertura appena testimoniati (Divertimento Ensemble e /nu/thing) e di altri in procinto di realizzazione (di cui /nu/thing e Divertimento Ensemble sono forse causa e di questo siamo entusiasti), a fronte della fatidica manciata di spettatori: non possiamo ritenerci appagati. Siamo un po’ tristi quando gli sforzi di produzione e le giornate (mesi) di lavoro gratuito si risolvono in un inequivocabile disinteresse sociale.

L'esperienza bi-polare di "confortante accondiscendenza - sconfortante disagio esistenziale" che prova ogni bravo compositore giovane italiano dopo un concerto è la regola del sistema.

Conforto sì, perché in uno stato di precariato culturale è confortante sentire la buona parola del collega maturo che ti benedice. Fa bene, a patto che non diventi accettazione di una qualche forma di dipendenza dalla cerchia. Se qualche anno fa tutto ciò era possibile e, per certi versi, auspicabile, se qualche anno fa era sufficientemente consolatorio, bene, ora non è più così. Tale livello di precarietà tende a svuotare tali gesti di "riconoscimento" sociale e rende ridicole querelle sull'etichetta dei generali d'armata. Quanto allo sconfortante disagio esistenziale... beh, la passione supplisce all'assenza d’investimenti solo entro un certo limite.

I compositori e interpreti europei tra i trenta e i quarant'anni che hanno qualcosa a che fare con l'Italia constatano l'impossibilità di parlare con referenti politici, spesso con direttori artistici: in pratica non sanno a chi e come poter presentare un progetto. È pressoché impossibile ragionare per co-produzioni europee. Nel migliore dei casi essi vengono contattati per lavori con commissioni minuscole o a titolo gratuito; se hanno a che fare con l'alta formazione musicale... beh... sanno che saranno per sempre (o molto a lungo) precari.

Può esserci una reazione? La risposta è: deve esserci. Siamo contenti quando le aperture abbracciano le nuove generazioni in modi diversi dalla pacca sulle spalle. Siamo felici quando creiamo criticità, è necessaria una riflessione a carte scoperte. Non ci vergogniamo di dire che la manciata di spettatori è uno scempio perché ci rendiamo conto che non parliamo più la lingua di quella manciata. Non ci vergogniamo di immaginare soluzioni "altre" perché non è vero che se lo si fa si cede a compromessi con l'intimo rigore professionale di ciascuno di noi. In definitiva non ci piacciono le cerchie paurose: sono pericolosamente chiuse. Il nascondersi dietro una bandiera blocca la vista degli orizzonti di possibile conquista e arricchimento sociale e culturale. La paura che pone divisioni sul piano del genere e non su quello della genuinità del messaggio è forse figlia di un atteggiamento ipocrita: cercare di entrare nei libri di storia scegliendo di giocarsela nell’irreale campo di battaglia disegnato dagli storici.

Piuttosto che nasconderci dietro questo palese fraintendimento artistico, scegliamo di non partecipare a questa guerra. Preferiamo le cerchie illuminate, ma in definitiva sarebbe forse l’ora di predicare, almeno in parte, un messaggio di disarmo e di condivisione: le cerchie vanno quantomeno indebolite. La sfida di ridare pane culturale all’Italia è principalmente sentita dalla nostra generazione perché in primis essa sente la paura dell’estinzione. Proviamo sconforto ogni qualvolta si legge che in una raccolta pubblica di firme per l’interesse comune i rappresentanti del mondo musicale sono Jovanotti o Gino Paoli. Scrittori e altre figure intellettuali si esprimono, e i nostri muscisti colti? Tranne i casi di Ughi, Accardo, Pollini e Abbado nessuno esce allo scoperto. I compositori sembra non rispondano all’appello delle istanze sociali. Questo vuoto si sente ed è forse tra le cause dell'eccessivo provincialismo delle nostre strutture musicali. Di questo si parla ormai solo per vie informali, spontanee e sul web.

Abbiamo bisogno di segnali, diteci dove sono i problemi e cerchiamo di fare fronte comune, di reagire. La stampa si rifiuta di parlare di musica d’arte? Bene: attrezziamoci, chiedeteci pure di fare da testa di ariete, ma cerchiamo un terreno comune in cui l’esposizione di un contesto riacquisti forza sociale. Identificare delle mission condivise e agire il più possibile uniti.

Siamo stanchi di una visione esclusivista del nostro mondo, ma siamo coscienti che non si può del tutto biasimare chi ci guarda da fuori con gli occhi di chi non riesce a godere di uno stimolo. Le cerchie che escludono ottengono due risultati: si corroborano della loro autodeterminazione e rimangono sempre più piccole.

Da un punto di vista più squisitamente musicale, siamo stanchi dei veti sul vocabolario del compositore di musica contemporanea. Pubblico, leggerezza, esattezza, freschezza, divertimento, morbidezza, sensualità, meraviglia, plasticità, ironia, istinto, visione, facilità, violenza, ispirazione, ambiguità, movimento, filigrana, paradossi: sono tutte parole che vivono nella nostra musica, e la contemporaneità non è più sinonimo di filtraggio di presunte nobili posture linguistiche o, peggio, acustiche. Esigiamo il giudizio in base all’autenticità e alla radicalità del segno e non in base al grado di prossimità al mondo o cerchia musicale che ci ospita; non si tratta più di moralismo ma di necessità.

Di fronte a tale scempio non accettiamo che la criticità di un vocabolario svincolato dai percorsi accademici italiani porti alla negazione dell'evidenza.

Milano, 6 Marzo 2013: concerto Carta Bianca DE - /nu/thing, dibattito.

Cominciamo a dire le cose come sono senza tanti fronzoli: il solo ipotizzare che il brano Mnemosist S di Yannis Kyriakides non sia musica equivale al più becero negazionismo culturale. Tali posture analitiche non devono essere insegnate e devono essere stigmatizzate. Ritenere tale brano una potenziale offesa all’intelligenza di qualcuno, non solo equivale a una probabile errata valutazione dell’intelligenza in oggetto, ma molto più tristemente spinge verso la constatazione del fallimento del contesto.

Il diritto di giudizio è altrettanto sacrosanto del giudizio sui criteri che lo ispirano.

Se nulla cambia, sarà un piacere cercare altri compagni di conversazione, cosciente che con ogni probabilità continuerò a parlare italiano solo con i pochi compositori con cui scelgo di parlare ora: gente che ha padri e non padrini, amici e non commilitoni. L’apertura al dialogo quantomeno tollerante è però una postura alla quale non rinuncio, credo debba necessariamente e prepotentemente rientrare a far parte del codice deontologico del compositore.